Filmes

A peça teatral do escritor Beau Willimon cai nas mãos do multitarefa George Clooney para atuar, escrever e dirigir com muita competência uma trama política conduzida pela ambição capaz de superar estrategicamente qualquer valor moral da sociedade norte-americana. Com principal tema voltado à campanha partidária para presidência da republica, cujo processo é um pouco diferente daquele em que estamos acostumados a presenciar por aqui, Tudo Pelo Poder retrata a atuação de um conjunto de profissionais especialistas em fazer de um governador do partido democrático o novo presidente dos Estados Unidos. Entre eles são nada menos que a mídia conservadora responsável por bombardear a população com informação manipulada, senadores com diversos interesses pela causa, jornalistas ansiosos pelo furo mais escandaloso e principalmente os consultores que criam a imagem de um líder com muita verba de seus colaboradores.
Apesar de se tratar de uma campanha fictícia em 2008, este filme é lançado num período oportunista em que o país tenta superar a crise econômica e passa pelo mesmo período turbulento de campanha, porém as prévias são do partido republicano, conforme podemos acompanhar seu desenvolvimento até a eleição propriamente dita no final do ano. Com grande evidência que a ficção está próxima à realidade, sabemos que boa parte dos assuntos abordada nele não cabe apenas no setor publico, mas também é observado no restante das corporações.
A produção se dedicou o suficiente para contar com um elenco de atores premiados e novos talentos. O melhor exemplo disso é a participação da dupla de consultores interpretada pelo vencedor do Oscar Philip Seymour Hoffman ao lado da estrela em ascensão Ryan Goslyn como protagonista. Ambos têm personagens determinados que gastam toda sua energia para atender seus objetivos, mas que ao longo da história surge uma certa divergência entre seus pontos de vista. Como seu contratante, Cloney é o governador coadjuvante sem necessidade de usar seu poder na direção para beneficiar sua boa imagem de ator já conhecida. Além disso, o especial desta está no simples roteiro composto por tensos diálogos entre estes personagens. É possível que nem todo o público se simpatize pelo ritmo do filme, mas sua linguagem é a peça chave para obrigar a se envolver com maior atenção. A partir daí, é perceptível a carga da responsabilidade em que os membros do estado suportam ao idealizar o “sonho americano” em cenas majestosas. Muitas delas são comícios e entrevistas carregadas de temas relevantes como a economia, religião, aborto, e xenofobia com a intenção de voltar a fazer de seu país ”ofendido” a maior potência mundial.
Enfim, todo o contexto deste envolve a luta entre o benefício próprio a qualquer preço contra o velho bom senso humano, dos quais estão presentes em vários eventos de nossa história. Sutilmente o longa provoca nossa consciência ao questionar certas coisas em que acreditamos ser erradas e que a qualquer momento podem ser encobertas por quem tem o poder maior sobre seu povo.

Imagine cada ano de sua vida resumido em apenas um dia do calendário. Esta é a proposta deste longa baseado no recente best-seller do britânico David Nichols, no qual conta o romance entre duas pessoas com personalidades diferentes durante vinte anos do dia 15 de Julho. Mesmo que pense ser muito pouco tempo para desenvolver o a trama sofrida cheia de conflitos, o enredo é capaz de manter o entendimento de sua história linear complementada com alguns feedbacks na sua conclusão. Nada mais é que um destino traçado, porém muitas vezes dividido em dois por sentimentos evitados devido às circunstâncias na vida de cada um.
A mesma fórmula "Cinderela", desgastada na maioria dos filmes do gênero, tem de um lado uma garota inteligente, dedicada e desapercebida pelo resto do mundo enquanto do outro há o mocinho bon vivant que a impressiona, mas não a vê da forma que gostaria. Ambos carregam consigo as frustrações por ser quem são enquanto o tempo passa rapidamente até começarem a acreditar no que realmente necessitam para serem felizes sem a ajuda de fada madrinha.
A produção aposta no elenco sem tanto estrelato, além da evidência de Anne Hathaway com uma personagem não muito diferente de seus trabalhos anteriores, no entanto, improvisa no sotaque inglês e destaca de sua simples beleza em algumas cenas. Ao seu lado está o ator em ascensão Jim Sturgess, que também atuou como par romântico no musical Across The Universe de 2007, como também no divertido americano Quebrando a Banca. Outra personagem interessante deste está nas mãos de Patricia Clarkson, como mãe protetora e preocupada de um filho fora do seu rumo.
Um dos pontos interessantes na produção é a mudança de cada fragmento do ano no visual das personagens ao som de canções caracterizadas pelas épocas e cenários rústicos de interiores mal acabados em Edinburgh e Paris, engolidos pelas angustias e pequenas alegrias do casal. Além das mais diversificadas musicas, os momentos mais dramáticos estão por conta da trilha composta pela experiente Rachel Portman, na sua função de incentivar o clima de cinema clássico em suas melodias. Toda esta composição roteirizada pelo próprio escritor David Nichols foi feita pelos comandos da diretora Lone Wrede Scherfig, logo após chamar a atenção para sua carreira após o sucesso de Educação (2009).
Muita coisa no filme pode ser considerada clichê na máxima potência, mas a alternância entre amor e amizade torna o drama ponderado. É claro que todos os filmes do tipo foca na tentativa da felicidade das pessoas. Entretanto, para preencher seu conteúdo estão momentos com o propósito de considerar o que realmente vale se viver, mesmo que existam pequenas distrações no meio do caminho.

Uma vida apática sem objetivos concretos é abalada pela morte de um ente querido e por conseqüência isso torna um incentivo para avaliar a maneira de encarar as coisas. Basicamente é assim o primeiro longa metragem escrito e dirigido pelo jovem ator Zack Braff. Ele interpreta seu confuso protagonista Andrew Largeman no momento de voltar a ver o que restou de sua família em New Jersey após passar nove anos tentando uma considerável carreira de ator em Los Angeles.
É possível que todo o contexto do filme foi influenciado pela vida pessoal do diretor, porém o mais importante em seu trabalho está na simplicidade da produção e os diálogos geniais que transitam entre o humor sarcástico e o drama introvertido. A partir destes ingredientes, os excêntricos personagens são desenvolvidos para influenciar Largeman em rever seus pontos de vista sobre seus sentimentos encobertos pela sua condição de um filho doente aparado por um pai psiquiatra.
Além de Braff, o elenco é composto por ninguém menos de Natalie Portman no período quando começa a chamar a atenção em suas interpretações e Peter Sarsgaard num personagem sem perspectiva, mas que se diverte com a grana que ganha. A adorável personagem de Portman balanceia Largeman com toda sua criatividade e emoção para um possível relacionamento que o deixa muito confuso.Um ponto que também chama a atenção durante todo o longa é a trilha sonora escolhida a dedo formada por gênero alternativo de The Shins, Coldplay, e Iron And Wine. As canções a todo o tempo criam um clima “indie” que complementa as discussões existenciais entre todos eles.
Uma produção sem grandes recursos que se baseia na ironia de se viver na sociedade americana, e construída por um ator de série de TV, nos faz refletir em muita coisa. Principalmente nas possibilidades em que seguimos na vida sem olhar para as pessoas que estão em nossa volta, além de reconhecer que o caminho nem sempre está longe daqueles que te querem bem.

Não Tenha Medo do Escuro é mais um remake de terror baseado no longa de mesmo nome lançado em 1970 e que mantém a trama tradicional sem modernizá-la totalmente para tempos atuais. Basicamente seu contexto é preenchido por um conjunto de características familiares às direções e produções de Guillermo del Toro para retratar um “conto de fadas” a base de sustos sutis, sem qualquer mistério a ser desvendado, a não ser pelos seus próprios personagens. Sendo assim, é difícil de se encontrar um ponto forte nesta produção para se destacar dentro de todo o legado do gênero.
O primeiro nome a ser exibido no elenco é da atriz Katie Holmes, supostamente a estrela do filme, da qual continua a atuar sua típica personagem tímida e insegura como futura esposa do arquiteto dedicado na pele de Guy Pierce. Esse casal é meramente coadjuvante de sua perturbada filha de oito anos com o dever de superar a separação da família e viver em um novo mundo. Como uma versão mirim de Katie, a pequena Sally é responsável por provocar a curiosidade e o desespero dos espectadores dentro de um belo casarão trivialmente mal assombrado.
A primeira direção de um longa metragem por Troy Nioxey tem o grande trunfo de sua produção, já que os últimos trabalhos de Del Toro se destacaram por seguir o terror tradicional com uma certa originalidade, porém, isso não é regra para que todos tenham o mesmo prestígio. Mesmo com o medo infantil explorado na escuridão, seu roteiro tem variações que seguem o mesmo tom. Nele se encontra a grande casa com o porão assombrado onde uma carente criança procura por algo que saia da monotonia, mas que depois de um certo tempo encontra o horror de criaturas desconhecidas que sempre estão presas anos em um espaço inacessível ao ser humano até então. Estas monstruosidades só podem ser eliminadas e a vida normalizada se o adulto desconfiar de que há algo errado e começar a desvendar o ocultismo por uma pesquisa na biblioteca. Se nada soa familiar, talvez não tenha visto muitos filmes terror ultimamente. Logo, este será uma boa pedida.
Mesmo que o enredo seja todo fantasioso, ainda pode sobrar tempo para um lado filosófico e levar algo de sério para casa. A típica falta de crença dos pais aos seus filhos aterrorizados é estimulada pelo tema contemporâneo da obsessão pelo trabalho e o quanto isso pode afastar as pessoas de suas famílias.